EGIPTO EN MADRID

En el Parque del Cuartel de la Montaña, en pleno centro de Madrid, encontramos un tesoro milenario, un trozo de Egipto... el templo de Debod. Traído piedra a piedra desde allí y reconstruido cuidadosamente, respetando la orientación este-oeste de su lugar de origen. Un monumento en peligro por la construcción de la Gran presa de Aswan.

Emplazado originalmente a 10 kilómetros al sur de la moderna presa sobre la orilla oeste del Nilo, hace más de 2.000 años el templo de Debod era uno de los lugares de peregrinación más importantes de todo Egipto. Aunque originalmente los reyes meroíticos lo destinaron al culto del todopoderoso dios Amón, algunos de los Ptolomeos de los siglos II y I a. C. Engrandecieron la estructura del templo y lo destinaron a los cultos de la diosa Isis, ritos que continuaron años después con las remodelaciones llevadas a cabo por los emperadores romanos Augusto y Tiberio.

La tradición egipcia relata que fue precisamente en Debod donde la diosa Isis sintió los dolores del parto de su futuro hijo Horus, el dios halcón, concebido como fruto de su relación con Osiris, el dios de la muerte.

Un precioso monumento cargado de historia, y sorprendente verlo en un parque madrileño.
Marian

COLORIDO ZABALETA

Pintor andaluz y universal, nacido en Quesada (Jaén) el 6 de noviembre de 1907. En 1935 viaja por primera vez a París donde estudia a los maestros de la pintura contemporánea, conociendo a Picasso y a Manuel Ángeles Ortiz. En el año 1942 realiza su primera exposición individual en la galería Biosca de Madrid.
Obtiene el premio de la UNESCO de la III Bienal Hispanoamericana de Arte en 1956, y en este mismo año participa en la Bienal del Mediterráneo celebrada en Alejandría.

Su peculiar forma de entender la pintura, la luz, el color, los objetos familiares, los campesinos de su Quesada natal serán inmortalizados y hoy cuelgan en los museos más importantes de todo el mundo (Nueva York, Tokio, Buenos Aires, Alejandría, Lisboa, etc.).

Rafael Zabaleta declaró literalmente que "su apoyo en el arte más inmediato al suyo lo basó en Cezanne, Van Gogh, Matisse y Picasso o que sus intereses se vinculaban a la Escuela de París, “la mejor palestra del mundo”.

Vendió en vida 95 óleos. Las primeras ventas las realizó en el año 1.941 y su primer comprador fue el Sr. R. de Velasco por la obra de tamaño 50x61 cm. titulada “Agosto”por la que pagó 2.500 pesetas. Ese mismo año vendió dos obras a un coleccionista privado de Japón por las que cobró 3.000 pesetas.

Gran parte de su obra se encuentra en el Museo de Quesada, el pueblo donde nació. Las obras artísticas son fruto de una cesión voluntaria y desinteresada de los derechos de los herederos del pintor, que tras su muerte sin testamento, quisieron respetar su voluntad, aunque jurídicamente nada les obligaba a ello. Allí podemos recrearnos con 112 óleos, más de 250 dibujos, acuarelas, diversos blocs de dibujo, objetos personales y 117 recuerdos que Zabaleta recibió de otros artistas contemporáneos.

Virtu

PINTURAS DESCONCERTANTES. TASSILI.

El desierto del Sáhara se extiende desde las cordilleras del Atlas al Norte, hasta el Sudán al Sur, y desde Egipto al Este, hasta el Océano Atlántico al Oeste.

En 1933, el teniente Brenans, recorriendo la zona del Cañon de Tassili-n-Azyer llegó a un valle denominado Ighargharen. Allí descubrió entre las paredes rocosas todo un enorme grupo de inverosímiles pinturas (más de 5.000), hechas sobre la piedra. Representaciones de jirafas, elefantes con la trompa en alto, hipopótamos, y figuras humanoides. Algunas de tamaño exagerado, rinocerontes de 7,50 metros de longitud y elefantes de 4,50 metros de altura, los dibujos prehistóricos más grandes que se conocen.

Pero fue el explorador Henri Lhote quien dio a conocer al mundo entero este hallazgo de arte prehistórico en el año 1.957, y quien hizo un estudio y clasificación de las representaciones.

De todas las pinturas, la más desconcertante es la que se ve a una especie de buzo con su traje completo y escafandra con ranuras en su parte frontal, que mide 6 metros. Lhote lo denominó “el gran dios marciano”.

Tassili ha sido declarada por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad y para algunos expertos es "la Capilla Sixtina del paleolítico", con unas pinturas que en algunos casos alcanzan los 10.000 años de antigüedad.

Para disfrutar de las pinturas, un vídeo... más vale imágenes que palabras, y cada cual saque sus conclusiones.

http://www.youtube.com/watch?v=vcQCRBnnuuM

Marian

EL BODEGÓN A TRAVÉS DE LA HISTORIA

Como tema de las artes plásticas, el bodegón ha sido recurrente a lo
largo de la historia.

Inicialmente fue un simple elemento decorativo.
Entre los romanos, la naturaleza muerta satisfacía su sentido del realismo.

En la pintura española, el bodegón jugó un papel importantísimo. Ya en el
gótico se pueden encontrar fragmentos de naturalezas inanimadas. Pero alcanza
su auge en el siglo XVII, mediante las obras de Bartolomé Pérez, Arellano y Van
der Hamen.
Más adelante surgen las acertadas creaciones de Sánchez Cotán, Velázquez y,
posteriormente, Zurbarán.
En el siglo XVIII surgen en España artistas representativos del bodegón, como
Luis Meléndez y Goya.
A partir del XIX el género del bodegón pierde parte de su interés, debido al
auge que toma la pintura al aire libre.

De nuevo en el siglo XX vuelve tomar protagonismo, habiendo una extensa muestra en la mayoría de los artistas.

VIRTU

ARCANA SIMBOLOGÍA DE LOS COLORES

Desde que el hombre prehistórico ilustraba sus cavernas representando escenas de caza en matices rojos y ocres, las diversas culturas han mostrado un vivo interés por los colores, a los que han atribuido simbologías más o menos coincidentes.
Los magos caldeos, creadores de la Astrología, observaban estrictamente los colores que personalmente les correspondían. Así, en sus ceremonias se revestían según los siguientes planetas:
SOL- Túnica de seda mezclada con hilos áureos, formando verdaderos panes de oro.
LUNA- Similar a la anterior pero sustituyendo los hilos áureos por hilos de plata.
MERCURIO. Tejido amarillo claro, con fondo anaranjado.
MARTE. Tejido escarlata brillante, con matices de carmín.
VENUS. Azul celeste, con matices verdes y reflejos irisados.
JÚPITER. Azul violeta cubierto de puntos plateados.
SATURNO. Verde ceniciento.
URANO. Azul marino.
NEPTUNO. Índigo.VULCANO. Túnica imitando fuego.

PINTURA JAPONESA

La pintura japonesa alcanzó metas como ninguna otra manifestación artística. En ella destacan los ambientes paisajísticos, los motivos naturalistas, la creación de ambientes íntimos con figuras femeninas de suaves líneas y rebuscadas posiciones, para incrementar la impresión del movimiento. Ricas de color, de dibujo simple, de acción sencilla y de temática atrayente y diversificada, la pintura japonesa gozó de grandes simpatías en occidente, aunque siempre fueron tenidas como exóticas, dignas de coleccionar pero no de imitar.

La pintura japonesa a lo largo de toda su historia sigue a la pintura china. Los materiales se repiten: arte del pincel, y en los últimos siglos, grabado sobre madera. Los temas, asimismo, son iguales a los chinos pero tratados de manera personal, según las circunstancias nacionales en política, religión, sociedad, etc. Predominan, como es natural, los temas de paisaje, donde el hombre asume un papel a propósito insignificante, narraciones épicas, poesía, retrato tardío y en el período Edo, temas populares, casi plebeyos, de una maestría inigualable.

Pintura muy agradable de ver, una invitación a la serenidad.

Marian

VIOLETA

El violeta, es el color de la templanza, la lucidez y la reflexión. Transmite profundidad y experiencia.
Tiene que ver con lo emocional y lo espriritual. Es místico, meláncolico y se podría decir que también representa la introversión. En su variación al púrpura, es realeza, dignidad, suntuosidad.

El aura violeta
Cualidades positivas. Como color básico

El individuo con color violeta es una persona especialmente espiritual. Las cosas del mundo no parecen preocuparle demasiado, sin embargo sí está muy pendiente de su crecimiento personal. Esta espiritualidad la pueden desarrollar de maneras muy diferentes. Algunos se convierten en personas muy religiosas, otros emprenden el camino de la meditación y otros simplemente desean conocerse mejor.

Para una personas con violeta como su color primario, el viaje a su mundo interior puede ser apasionante. Sabe que el camino es muy enriquecedor y no quiere perder el tiempo con otras cosas. Le apasionará la lectura profunda y los debates sobre las cosas del espíritu. A veces parece que está buscando un gurú permanente que le guíe para
saber por dónde está el camino.

Este color como secundario indica que atravesamos una etapa de encuentro con nosotros mismos. Tenemos ganas de pasar un rato a solas y disfrutar de nuestros propios pensamientos y sentimientos. Buscamos enriquecernos con las situaciones de la vida y nos abrimos a nuevas posibilidades, como la de emprender un camino espiritual e íntimo.

En la pintura
Numerosos pintores han plasmado en el lienzo una extensa gama de colores, entre los que predomina el violeta. Aquí tenemos algunos ejemplos.
VIRTU

ENIGMÁTICO "EL BOSCO"

Hyeronimus Van Aeken, apodado El Bosco, es uno de los pintores más apasionantes y enigmáticos de toda la historia de la pintura. Nació en Holanda en 1450 y murió en 1516.
El Bosco, según algunos estudiosos, pasaba largos ayunos para tener visiones y alucinaciones y poder crear obras imaginativas y originales. Según otros, formaría parte de alguna secta secreta y por eso sus cuadros están repletos de mensajes ocultos y enigmas difíciles de descifrar.

EL JARDIN DE LAS DELICIAS
El Jardín de las Delicias (220x195): Es sin duda, una de las pinturas en la que aparecen más personas. Sólo en la tabla central de este tríptico hay más de 450, además de multitud de animales. También aparecen otras especies inexistentes, como un unicornio y sirenas.
Representa el dominio de la lujuria en el mundo, descrita a través de todo tipo de relaciones sexuales: cuerpos desnudos de hombres y mujeres, blancos y negros, se mezclan, se tocan, bailan..., en parejas, en grupos, heterosexuales, homosexuales, etc.

Pese a una primera impresión de desorden, la escena se ordena en tres niveles en altura: La parte superior, con detalles que se perciben difícilmente por su pequeñez y rareza (humanos alados, grifos...) aparece dominada por construcciones fantásticas, entre las que destaca la Fuente de los Cuatro Ríos del ParaísTerrenal, falsa fuente del paraíso, inestable, amenazando ruina con sus paredes cuarteadas.

En el centro de la composición, la gran cabalgata del deseo, girando en círculo en torno a un estanque, donde se bañan varios grupos de mujeres. En el plano inferior la sexualidad se manifiesta de mil maneras, tanto en las acciones de la masa de hombres y mujeres, todas ellas de inequívoco signo erótico, como en las connotaciones sexuales de plantas, frutas y animales.

En las esquinas inferiores aparecen dos focos de atención peculiares. A la izquierda, un grupo que señala la tabla de la izquierda (el Paraíso), hacia la Eva de la Creación, poniendo el acento en el papel que desempeña en el engaño de la tentación. A la derecha: en la cueva se encuentran Adán y Eva, testigos de lo que ha acaecido al mundo por su causa. El dedo acusador de Adán responsabiliza a la mujer.

Esta es la pintura más famosa, la más estudiada, y también la más enigmática y difícil de interpretar de las que pintó El Bosco. En la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de la derecha. Se considera que la producción de El Bosco, es una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana, con una gran cantidad de símbolos que aún no han podido ser totalmente interpretados.

La contemplación minuciosa permitirá apreciar detalles sumamente morbosos y muy interesantes, a la vez que sorprendentes. En cuanto a las interpretaciones, todavía los expertos no se han puesto de acuerdo, así que puedes dar tu propia versión e intentar comprender las intenciones de El Bosco. Aquí tienes un enlace para recrearte despacio. Disfruta cada detalle.
http://olmo.pntic.mec.es/~jgarci52/centro2.htm

MARIAN

EL AUTORRETRATO

El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista.Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o en la pintura que aborda.

En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría.

Un autorretrato no siempre es realista.

He aquí algunos ejemplos, de cuatro pintores geniales, y una mujer, que también ha habido, y hay, grandes pintoras, ya hablaremos sobre ellas. Van Gogh, Picasso, Miró, Zabaleta y Frida Kahlo.

VIRTU

EL CUADRO MÁS CARO DEL MUNDO

En la erótica Viena de fines del siglo XIX vivió Gustav Klimt (1862-1918). Las historias que forman parte de su leyenda hablan de una casa taller rodeada de un cuidado jardín silvestre donde sus modelos, mujeres de la burguesía vienesa y una corte de prostitutas, paseaban y posaban desnudas durante 24 horas.

“El retrato de Adèle Bloch-Bauer”, pintura a la mujer de un industrial judío dedicado al azúcar, una de sus obras más logradas, fue comprado por el magnate de la cosmética Ronald S. Lauder, por la que pagó 135 millones de dólares. La obra, pintada en 1907, es una de las más reconocibles del siglo XX.

En uno de los pocos textos autobiográficos, Klimt, dijo sobre sí mismo: “Estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche”. Y así lo hizo dedicadamente con cientos de mujeres, en las cuales creó el estereotipo de la fatalidad y ensimismamiento.

Una de las particularidades del pincel de Klimt es su manera de formular el retrato. Si en un enfoque académico la intención es hacer evidente el rostro o el carácter de quien posa, en la pintura de Klimt el modelo queda escondido, secundario, mimetizado con un entorno que pasa a primer plano y se devora la identidad del retratado. Envuelto en texturas, líneas, planos y colores, perdido casi entre los elementos plásticos del cuadro, en el retrato de Adele rige la superficie, no el volumen ni las formas. Rostro y figura quedan presos, camuflados en el imperio de la textura y ella queda relegada a un subordinado segundo plano.Paradojas del arte y del mercado. Ese rostro hasta ayer escondido entre el oro (la pintura está hecha con el precioso material), los amarillos, los toques de turquesa, las “escamas”, las líneas contorneadas, las siluetas, hoy tiene un precio: el más caro de la historia.

Bonito, ¿no?.

Marian

LOS SUEÑOS

La primavera besaba

suavemente la arboleda,

y el verde nuevo brotaba

como una verde humareda.

Las nubes iban pasando

sobre el campo juvenil...

Yo vi en las hojas temblando

las frescas lluvias de abril.

Bajo ese almendro florido,

todo cargado de flor

—recordé—, yo he maldecido

mi juventud sin amor.

Hoy, en mitad de la vida,

me he parado a meditar...

¡Juventud nunca vivida,

quién te volviera a soñar!

Antonio Machado

Siempre se pueden tener sueños, a cualquier edad, ¿qué más da que nunca se cumplan, si mientras los tenemos los vivimos como reales? Las ilusiones son las alegrías del alma, para eso no hay fecha. Está bien alimentarse de recuerdos en algunas situaciones, pero el pasado, aún siendo bueno, ya desapareció.... el mejor momento es el presente, HOY. Y el máximo exponente de los sueños.... el AMOR.

Soñemos.

Marian

LA FOTOGRAFÍA COMO ARTE

La fotografía no siempre fue considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como alternativa al retrato pintado ya que era mucho más barato. Así pues, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir, como por ejemplo Félix Tournachon, Gustave Le Gray y Bisson. Fue el primer paso de la fotografía al medio artístico.

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo, centrada en la objetividad, buscando imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección. El naturalismo dio a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. El desarrollo de la fotografía en esa época, basado en juegos de luces y sombras, dio origen a fotos con marcada significación estética, lo que llevó a una mayor aproximación de la fotografía al arte.

Más adelante, los pintores descubrieron la manera de proyectar una imagen sobre una película de papel con aceite. Eso les permitía tomar notas rápidamente, lo que coincide con el auge del realismo en la pintura. El impresionismo en la pintura tuvo un gran efecto en la fotografía.

Luego se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible que la imagen se quedara grabada en el papel, y se fue perfeccionando gracias a la experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara a la película.

En la actualidad, la fotografía artística , tiene un carácter muy subjetivo, y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística.

LA OSADÍA EN EL COLOR

SANTIAGO FERNÁNDEZ ARAGÜEZ

"Todo debió empezar como un juego. En el mundo del arte, casi
siempre es así. Un juego entre el color y el paisaje, entre el pintor y esos ojos todavía
desconocidos que un día se acercarán a mirar su obra". Mercedes Vico.

Santiago Fernández Aragüez nació en Vélez Málaga. Y ese aroma especial a olivo y almendro inunda su espíritu, haciéndolo maestro del color, genio de la luz y profeta del nuevo impresionismo.

Osado en el color, se atreve con una gama impresionante en sus cuadros, campos rosados, naranjas, rojizos, azules, morados, y un cielo predominantemente negro o muy oscuro, que resalta todo lo anterior.

Trabajador infatigable, su obra es alegre, vitalista. Su carácter luchador e investigador le lleva a descubrir y dominar todas las técnicas.

Desde 1970 ha expuesto su obra en numerosos lugares, de forma individual y colectiva.
También nos deleita con sus murales, donados a diferentes centros
educativos. En ellos se aprecia la gran profusión de colorido, y su inagotable imaginación, para soñar y crear.
He aquí una muestra de su estilo. Y nuestra felicitación, por su excelente
obra.
Virtu y Marian.