martes, 29 de abril de 2008

ARTE EN FORMA DE HUEVOS






La Pascua, que es la festividad más importante del calendario ortodoxo, se celebra con el intercambio de huevos y tres besos.


Los dos últimos zares del extinto imperio ruso: Alejandro III y Nicolás III regalaban unas piezas encargadas al joyero de la Corte, Peter Carl Fabergé, bautizadas como los Huevos Fabergé y que en la actualidad son cotizadísimas obras de arte.


Hace cien años, el zar Nicolas II le regaló a su esposa, Alejandra Fedorovna, un huevo de Pascua de Fabergé (San Petersburgo, 1846-Lausana, 1920) llamado "Palacio de Alejandro".


Este Huevo Fabergé es toda una pieza de joyería y arte que costó al zar 12.300 rublos (514 dólares al cambio actual) y en la tasación que realizaron expertos en 1927, según los investigadores Will Lowes y Christel McCanless, se valoró en 20.712 rublos (866 dólares).


En la actualidad, esta pieza podría alcanzar en una subasta cifras millonarias, pero no se encuentra a la venta y se exhibe en el prestigioso museo de la Armería que está emplazado en el interior del Museo estatal del Kremlin (Moscú).


Los 56 Huevos de Pascua de Fabergé -que su creador ya pidió al inicio de la I Guerra Mundial que se reconociesen como piezas de arte- se dispersaron con la llegada al poder de los bolcheviques y el derrocamiento del imperio zarista.


En la actualidad, se calcula que 44 de ellos están localizados, de los cuales algunos los poseen la Reina Isabel de Inglaterra, el príncipe Rainiero de Mónaco y diversos museos estadounidenses, entre otros.


El Patrimonio ruso es el que más conserva, 19, tras la compra por parte del presidente del Grupo Renova, el ucraniano Víctor Feliksovich Vekselberg, de los nueve Huevos Fabergé que atesoraba la familia Forbes y que cedió al patrimonio ruso.


Marian

lunes, 28 de abril de 2008

MARY HODGKINS






Mary Hodgkins nació en Dunedin, Nueva Zelanda en 1869. Hija de un abogado y pintor aficionado, pasó a convertirse en uno de los principales artistas del modernismo británico. En 1893 estudió con Girolamo Nerli. En 1895-96 participó en la Escuela de Arte de Dunedin.


En el año 1900 viajó y trabajó en numerosos países, como Inglaterra, Francia, Holanda y Marruecos, volviendo a Wellington (Nueva Zelanda) en 1903. Su primera exposición individual fue en Londres en 1907.


Alrededor de 1901, comenzó una amistad con la artista Dorothy Kate Richmond. Las dos probablemente se conocieron en el estudio del pintor Girolamo Nerli, un pintor italiano que enseñó a Hodgkins.

En 1903 abrió su propio estudio en Wellington, y en 1904 organizó una exposición conjunta con Richmond. Richmond fue una gran influencia en el arte de Hodgkins, aunque finalmente se desvaneció su relación hasta llegar a ser inexistente.


Trabajó junto a artistas como Bárbara Hepworth, Ben Nicholson y Henry Moore.


Virtu

domingo, 27 de abril de 2008

GALA, MUSA DE DALÍ






Amante, mujer y musa inspiradora de Salvador Dalí, Gala fue un elemento esencial para la vida del artista de Cadaqués.

Elena Diakonova, alias Gala, nació en Kazán (Rusia) el 1894. En 1913, enferma de tuberculosos, fue enviada por su familia al sanatorio suizo de Clavadel, donde conoció al poeta francés Paul Éluard. El '17 se casó con el artista francés, y con él empezó sus primeros pasos en el floreciente movimiento surrealista parisino, juntamente a sus amigos André Breton, Louis Aragon y Max Ernst.

Conoció a Salvador Dalí el verano del '29, en la estancia veraniega de Portlligat, donde el entonces joven Salvador pintaba y pasaba sus vacaciones. Durante aquella corta estancia Gala tomó la decisión de dejar su marido y quedarse con Dalí. Ella tenía entonces 35 y Dalí, 25 años. Él se enamoró a la primera vista, pero fue gala quien tomó una decisión firme: "Ya no nos separaremos nunca más".

A partir de entonces Gala se convirtió en la modelo, musa y compañera inseparable de Dalí y lo siguió en sus viajes por toda Europa y los EEUU. Desde el año '71 al '80, Gala hizo estancias en el Castillo de Púbol, donde hoy se encuentra su tumba. Desde '96 el castillo está abierto al público como Casa-Museo Castillo Gala-Dalí.

La musa del artista Dalí le sirvió de inspiración para toda su vida, no solo artística, como para su compleja personalidad, y su conturbada vida afectiva y sexual.


Marian

JEAN NOUVEL






Arquitecto y diseñador francés. Nació en Fumel, Francia (12 de agosto de 1945), y estudió arquitectura y diseño en la escuela de Bellas Artes de París.
Durante la carrera trabajó en un despacho de arquitectos. Cuando terminó sus estudios creó su despacho de arquitectos junto con dos socios y participó en varios concursos para la realización de proyectos. Hasta 1994, año en que fundó su estudio de arquitectura propio, estuvo asociado en otras dos ocasiones, cada una de la cual duró cinco años.
Desde que inició su labor como arquitecto, Nouvel ha trabajado intensamente para crear su propio lenguaje arquitectónico, lejos de los estilos del modernismo y post-modernismo. Rechaza las directrices establecidas por Le Corbusier, que han influido a tantos arquitectos, y se plantea cada nuevo proyecto sin ninguna idea preconcebida. De esta manera, sus edificios difieren notablemente el uno del otro, si bien existe un común denominador entre todos ellos, que es la transparencia, así como la luz y las sombras. También le da gran importancia a que sus edificios se integren de forma armoniosa en el entorno.
Nouvel ha ganado numerosos premios de arquitectura y diseño, y ha recibido varias distinciones por su trabajo.
Una de sus obras arquitectónicas más conocidas es el Instituto del Mundo Árabe, en París. El edificio alberga una importante colección de objetos y escritos del mundo árabe. Las fachadas diseñadas por Nouvel constan de elementos cuadrados, construidos en metal y vidrio.
En Barcelona, la torre Agbar se eleva majestuosa hacia el cielo. Obra polémica y a la vez, admirada.
En el año 2008 ha obtenido el Premio Pritzker, considerado como el Nobel de la arquitectura.
Su página oficial:
[http://www.jeannouvel.com/


Virtu

viernes, 25 de abril de 2008

ARTE EN EL MURO DE LA VERGÜENZA






Con el objetivo de acabar con más de medio siglo de violencia entre Israel y Palestina, se levantó un muro de hormigón de 8 metros de altura, el muro de la vergüenza israelí trazado para apropiarse de parte de los mejores territorios palestinos de Cisjordania conquistados en 1967, con alambradas y trincheras. El aspecto de esa zona es sin lugar a duda el de una cárcel. Este muro frío y gris está siendo ilustrado por Bansky, un artista callejero que, mediante su arte, realiza duras críticas.


Sus dibujos ponen color a un llanto, levantan una sonrisa en un día gris, invitando a la esperanza que algún día ese muro desaparezca, y con él todos los conflictos y luchas sin sentido, y a la vez abren la veda para que el ilegal muro se parezca al muro de Berlín que, cuando se derribó, estaba completamente lleno de pintadas y murales.


¿Caerá también?


Marian

jueves, 24 de abril de 2008

LORENZO QUINN






Aunque es aún muy joven para el mundo del arte, ya se puede decir que Lorenzo Quinn ha tenido una larga carrera artística. Desde muy joven hizo muestra de su capacidad para comunicar emociones a través de sus obras. Con tan solo 21 años se ganó el respeto de la sociedad artística de New York creando una obra para las Naciones Unidas, de la cual en su día se hizo un sello.
Poco después recibió el encargo del Vaticano que, con motivo del octavo centenario de la muerte de San Antonio, le encargó una escultura del Santo. El Santo Padre bendijo la escultura en la plaza San Pedro, ante 35.000 personas, y posteriormente fue colocada en la Basílica del Santo en Papua, donde todavía hoy sigue siendo una de las obras más visitadas de la ciudad.

Ha expuesto en los cinco continentes y su obra está presente en las principales ferias internacionales de arte de todo el mundo. Actualmente tiene proyectadas prestigiosas exposiciones en varios países. En toda su obra se refleja la búsqueda de un mundo unido, lleno de emociones y de valores, y sin duda alguna todo esto se recoge en su proyecto más ambicioso y representativo que es el denominado Humanidad. Este proyecto representa a toda la humanidad bajo el legado común de la historia humana. Se trata, esencialmente, de una enciclopedia tridimensional en forma de monumento circular que a modo de enorme globo terráqueo está íntegramente recubierto por cien placas. Cada una de estas placas representa uno de los cien momentos más importantes de la historia de la evolución del ser humano, todo esto siempre visto bajo el signo de globalidad y nunca desde el punto de vista de una sola raza o ideología.


http://lorenzo-quinn.artelista.com/


Virtu

miércoles, 23 de abril de 2008

FOODSCAPES: PAISAJES QUE SE COMEN






El fotógrafo británico Carl Warner, creó una serie de fotografías utilizando únicamente alimentos para formar escenarios.


Las llamadas “footscapes” muestran cavernas submarinas, florestas, playas , prados, etc., usando frutas, legumbres, quesos, fiambres, y panes, entre otros .


En la primera imagen, los árboles están hechos con brócolis, la vereda con comino. El suelo está hecho con hierbas comestibles, y nubes de coliflor adornan el cielo.


El fotógrafo cuenta que ya es conocido en la vecindad de su casa, en Kent, Inglaterra, por pasar horas buscando los mejores brócolis, o los mejores pimientos para componer sus escenarios.
Para ganar en profundidad, las fotos están hechas sobre mesas de 1´2 metros por 2´4 metros. Además las introduce en cámaras refrigeradas para evitar que los alimentos se marchitan antes de tomar las fotos.


Los ingredientes comestibles de la segunda imagen, escena rural de inspiración italiana, incluyen un carro hecho de pasta de lasaña, campos de macarrones, y nubes de mozzarela. Árboles de pimientos y al fondo un pueblecito de queso.


“Me gusta el modo en que los pequeños aspectos de la naturaleza se parecen a los grandes", dice Carl Warner.
Confiesa que ni aún así consigue convencer a sus hijos para que coman verdura.


En la tercera, árboles de hojas de col, rocas de boniato, desfiladero de pan y cielo de col lombarda.


La cuarta: el mar rojo de esta playa, en la puesta de sol, está hecho de láminas de salmón.


Patatas y pan forman las rocas. Un barquito hecho de guisante completa el escenario.


La última: casas de queso, toldos y cestos de macarrones, granos , legumbres y verduras forman esta callejuela.


Bonito, ¿verdad? (Gracias Pedro)


Marian

lunes, 21 de abril de 2008

Acción artística “Ilumina a Moscú”






En el marco del festival “Rozamira 07”, en Moscú, presentaron sus obras pintores de Holanda, Islandia, EEUU y Rusia.
Este año, doce edificios residenciales de Moscú se transformaron en cuadros, a través de la pintura mural. Ocho grupos de pintores de Holanda, Islandia, EEUU y Rusia ofrecieron al público un vistoso “art-performance”, que ahora funciona como museo a cielo abierto.


Tales cuadros se ven mejor desde lejos, pues tienen la altura de un edificio de cuatro pisos.


En un principio, la gente miraba con recelo a los pintores extranjeros, y la idea no parecía muy acertada. Pero se cambió de opinión, al observar los vivos colores y las diferentes creaciones artísticas.
Los pintores podían utilizar sólo tonos vivos y cálidos, éste era uno de los requisitos fijados para los concursantes.
He aquí una muestra de lo que quedó plasmado en los edificios, para disfrutar...




Virtu

domingo, 20 de abril de 2008

MUSAS DE PINTORES: ELIZABETH SIDDAL






Elizabeth Siddal es la principal musa del pintor Dante Gabriel Rossetti durante su juventud.


Ambos se enamoran y en 1852 se prometen y se van a vivir juntos a Chatham Place en Londres, donde las habitaciónes son oscuras y frías lo que empeorará la enfermedad de Elizabeth.


A partir de entonces, le impide posar para los otros pintores de la Hermandad. Rossetti pasa horas dibujando y haciéndo bocetos de su amada. Su belleza pálida, su expresión sombría y serena, sus hermosos y largos cabellos cobrizos conforman un icono para el artista.


Él sigue buscando esa belleza fuera de casa, tiene aventuras con otras modelos cosa que a Elizabeth le vuelve loca de celos hasta el punto de tirar al río Támesis cuadros de Rossetti en los que figuraban otras musas.


En 1855 un crítico de arte comienza a subvencionar la carrera de ella. Elizabeth realiza muchos bocetos con temas medievales. El mecenas, en una de sus cartas, arremete contra Rossetti por no casarse con Elizabeth y darle la estabilidad que necesita. En este periodo Siddal empieza a escribir poesía.


Como Elizabeth proviene de una familia de clase baja, Rossetti tiene miedo de presentársela a sus padres, además las hermanas de éste no la aprueban, por lo que los planes de boda se vienen abajo. Elizabeth piensa, en parte justificadamente, que Rossetti siempre había querido reemplazarla por una musa más joven, lo que le llevará a la depresión y agravará su enfermedad.


En 1860 Lizzie está extremadamente enferma y Rossetti está convencido de que morirá pronto por lo que se casan. En los diez años de noviazgo, él había accedido al compromiso y lo había roto en muchas ocasiones, por lo que ella estaba inmersa en una gran depresión y su larga enfermedad le había hecho adicta al láudano (opiáceo).


En 1861 se queda embarazada. Está radiante de alegría. Durante el embarazo compone el poema "At last". Sin embargo, en el parto alumbra a una niña muerta. Lizzie desquiciada, no se recupera del duro golpe y se pasa las horas meciendo una cuna vacía.


En 1862 queda de nuevo embarazada. Una noche, salen a cenar con un amigo y regresan los dos juntos a casa. Rossetti vuelve a salir hacia el Working Men's College, y cuando regresa tres horas más tarde, la encuentra inconsciente y no puede reanimarla. Su desesperación es tal, que llama hasta a cuatro médicos para reanimarla y ninguno de ellos tiene éxito.


Como tributo hacia ella, Rossetti entierra bajo su roja cabellera una libreta con la única copia de todos los sonetos que había compuesto.


En 1863 Rossetti sigue obsesionado con la pérdida de su musa y se sigue sintiendo culpable por las infidelidades cometidas. Este año pinta Beata Beatrix. Está considerado como la estela funeraria de su esposa. Rossetti se basa en la Vita Nuova de Dante y muestra la traslación mística de Beatriz desde la tierra hacia los cielos. A la derecha Rossetti se retrata en el papel de Dante y Lizzy en el de Beatriz. Vigilando la escena, a la izquierda el Angel del amor. Beatriz está sentada delante de un reloj solar que marca las nueve (número místico que Dante asocia a Beatriz, la hora de su muerte). Presenta una expresión de éxtasis, posiblemente más sexual que religiosa, lleva entre sus manos un pájaro rojo como mensajero de la muerte y que sostiene en el pico una amapola que simboliza el sueño (el opio, droga que utilizó Lizzy para su suicidio).


En 1869 Rossetti estaba completamente entregado al alcohol y las drogas. Estaba convencido de que se iba a quedar ciego y de que no podría pintar jamás. Comienza a escribir poesía de nuevo. Antes de publicar los nuevos poemas se obsesiona con recuperar la libreta que descansa bajo los cabellos de la malograda Elizabeth. Rossetti y su agente apelan legalmente para obtener el permiso de exhumación para retirar el manuscrito.


El manuscrito es retirado al caer la noche para no levantar polémicas. Rossetti no estuvo presente. Fue su agente, el señor Howell quien comentó que el cadáver estaba bien preservado y su delicada belleza intacta. Su pelo había continuado creciendo después de la muerte y por lo tanto el féretro estaba repleto de su largo cabello cobrizo. Se logró sacar el manuscrito aunque un gusano había perforado la libreta e impedía la lectura de algunos poemas. Rossetti publicó todos sus poemas en un sólo libro, pero éstos no fueron muy bien recibidos por el público debido a el alto contenido erótico de los mismos y a que se corrió la voz del episodio de la exhumación.




Marian

UNA MUJER ESCULTORA: CAMILLE CLAUDEL






A pesar de la calidad de su obra, durante mucho tiempo fue más conocida por ser hermana del poeta Paul Claudel y la amante del que fuera su maestro y mentor, el eminente escultor Auguste Rodin.

Aunque desde temprana edad Camille demostró poseer un talento natural para el arte en general, siempre se inclinó más por los aspectos táctiles de las cosas que por el dibujo o la pintura.

Desde su infancia juega con el barro y esculpe a las personas que la rodean.

Cuando contaba doce años, su padre, Louis-Prosper Claudel, se trasladó junto a su familia a Nogent-sur-Seine, una ciudad cercana a París en la que vivían dos importantes escultores, Alfred Boucher y Paul Dubois quienes, impresionados por las aptitudes que mostraba Camille, respaldaron a la joven para que entrara en la Academia Colarossi, una de las pocas escuelas de arte que admitía estudiantes femeninas por aquel entonces, y donde Camille tuvo oportunidad de incorporarse a un grupo de escultoras que recibían la visita semanal en su estudio de Boucher, quien les daba lecciones de manera informal.

Cuando Boucher se trasladó a Italia en 1883, las estudiantes de escultura pasaron a estar bajo la responsabilidad de Rodin.

El encuentro entre Rodin, de cuarenta y tres años, y Claudel, de diecinueve, fue el principio de una relación de quince años que dejaría una huella indeleble en la técnica y la temática de las composiciones de Camille, que pasó de inscribirse en el más puro academicismo francés con figuras suaves y equilibradas y glorificación de los temas clásicos, a representar desnudos contorsionándose, en su mayoría de tema alegórico.

En ese año de 1884, Claudel ayudó a Rodin en la realización de Las Puertas del Infierno y en Los Burgueses de Calais, dos experiencias que alteraron de forma significativa la obra de Claudel.

Por otra parte, los años que trabajó en el estudio de Rodin, los más productivos de la vida del maestro, fueron para Claudel tremendamente destructivos, en el sentido de que le fue imposible llevar a cabo su carrera de forma independiente a la de Rodin, si bien expuso con regularidad en salones y galerías e incluso recibió varios encargos oficiales.

De esta etapa cabe destacar composiciones como «Giganti», de 1885, o «Joven mujer con una gavilla», ejecutada seis años más tarde, en las que refleja un mayor interés hacia los temas agrícolas y en las que las figuras están compuestas por distintos planos, lo que permite a la escultora capturar una mayor tensión en el movimiento.

Su historia de amor y odio con Rodin finalizó en 1898 y, aunque durante una década Claudel continuó esculpiendo, acabó por tener serias dificultades financieras y llegó a mostrar signos de enfermedad mental.

En 1906 destruyó la mayor parte de su obra y siete años más tarde fue ingresada en un hospital psiquiátrico donde pasó a intervalos los últimos treinta años de su vida, murió al cabo de treinta años de martirio y desesperación.


Marian